Amedeo Modigliani

Amedeo Modigliani

Amedeo Clemente Modigliani (urodzony 12 lipca 1884 w Livorno, zmarły 24 stycznia 1920 w Paryżu) był włoskim malarzem, rysownikiem i rzeźbiarzem pochodzenia żydowskiego. Miał troje starszego rodzeństwa: Emanuele (ur. 1872), Margherita (ur. 1874) oraz Umberto (ur. 1878).

Sukces Modiglianiego w współczesnej sztuce jest głównie związany z jego obrazami przedstawiającymi akty, które w jego czasach były uznawane za skandaliczne, a dopiero później zyskały akceptację. Młodzieńcze lata spędził we Włoszech, gdzie studiował sztukę antyku oraz renesansu. W 1906 roku przeprowadził się do Paryża, gdzie nawiązał znajomości z wieloma wpływowymi artystami, takimi jak Pablo Picasso i Constantin Brâncuși. Jego życie naznaczone było problemami zdrowotnymi, głównie chorobami płuc. W dzieciństwie, w trakcie jednego z ataków gorączki, poczuł powołanie do bycia artystą. Zmarł na gruźlicę w wieku 35 lat i 6 miesięcy. Informacje o jego życiu opierają się na nielicznych wiarygodnych dokumentach, co sprawiło, że legenda o nim zaczęła się kształtować głównie po jego śmierci.

Twórczość Modiglianiego koncentrowała się głównie na obrazach i rysunkach. W latach 1909-1914 skupił się na rzeźbie, w której głównym motywem stał się człowiek. Oprócz rzeźb i obrazów przedstawiających ludzi, stworzył kilka pejzaży. Modigliani nie zajmował się malowaniem wnętrz ani martwymi naturami. W jego dziełach często można dostrzec nawiązania do sztuki renesansowej oraz wpływy afrykańskiej sztuki, popularnej w jego czasach. Nie przynależono do żadnego z ówczesnych kierunków artystycznych, takich jak kubizm czy fowizm. Sztuka Modiglianiego zyskała na znaczeniu dopiero po jego śmierci, kiedy to jego prace zaczęły osiągać wysokie ceny.

Życiorys

Dzieciństwo

W XIX wieku w Livorno istniała znaczna społeczność Żydów sefardyjskich, którzy emigrowali z Afryki Północnej, Hiszpanii i Portugalii. Wśród nich był Salomon Garsin, którego syn Joseph osiedlił się w 1835 roku w Marsylii. W 1849 roku syn Josepha, Isaak, ożenił się z Régine Spinozą, a ich córka Eugénie uczęszczała do katolickiej szkoły, mimo że miała protestancką guwernantkę. W wieku 15 lat zaręczyła się z Flaminio Modiglianim, członkiem żydowskiego rodu z okolic Rzymu, a w 1872 roku wyszła za niego za mąż i przeniosła się do Livorno. Gdy urodził się ich najmłodszy syn Amedeo, rodzina utrzymywała się z handlu węglem i drewnem, ale interes upadł w wyniku kryzysu ekonomicznego we Włoszech. W celu poprawy sytuacji finansowej, matka Amedeo, wykorzystując swoje wykształcenie literackie, zaczęła zajmować się tłumaczeniami, co umożliwiło młodemu Modiglianiemu wczesne zetknięcie się ze światem literatury.

Początek działalności artystycznej

Kiedy Modigliani miał 14 lat, zachorował na tyfus, chorobę, która wówczas była śmiertelna. W trakcie jednego z ataków gorączki zdecydował, według relacji matki, że chce zostać artystą. Rozpoczął naukę w studium sztuki w małej akademii w Livorno prowadzonej przez malarza Guglielmo Micheliego. Uczęszczał także na wykłady z rysunku aktu w atelier Gino Romitiego. W 1900 roku stan zdrowia Modiglianiego pogorszył się, a jego matka zdecydowała się zabrać go na południe Włoch, do Neapolu i Capri, a także do Rzymu, co miało na celu poprawę jego zdrowia. Wówczas napisał pięć listów do przyjaciela Oskara Ghighii, które są jednymi z nielicznych zachowanych dokumentów pisanych przez niego.

Na początku 1901 roku Modigliani wyjechał z Ghighią do Florencji, gdzie 7 maja 1902 roku zapisał się do szkoły rysowania aktów. Równocześnie studiował sztukę renesansu. W 1903 roku wyjechał z Ghighią do Wenecji, gdzie mieszkał przez następne trzy lata. 19 marca 1903 roku zapisał się na kurs dowolnego rysowania aktów w weneckim Instytucie Sztuk Pięknych. Zwiedzał również weneckie kościoły i muzea, zapoznając się ze sztuką starych mistrzów. W tym roku odwiedził biennale w Wenecji, gdzie Ghighia wystawił swój obraz wśród prac francuskich impresjonistów. Na wystawie znalazły się także obrazy związane z symbolizmem oraz rzeźby Auguste’a Rodina. Z tego okresu zachowało się niewiele obrazów Modiglianiego, co uniemożliwia określenie wpływu symbolizmu na jego sztukę. Podczas pobytu w Wenecji Modigliani prawdopodobnie brał udział w seansach spirytystycznych i zaprzyjaźnił się z takimi artystami jak Manuel Ortiz de Zárate i Ardengo Soffici, co skłoniło go do wyjazdu do Paryża.

Przeprowadzka do Paryża

Na początku 1906 roku Amedeo Modigliani przeniósł się do Paryża, gdzie mieszkał przez osiem lat, aż do wybuchu I wojny światowej. Paryż był wówczas centrum artystów awangardowych, w którym pojawiły się nowe kierunki w sztuce. W 1905 roku stosunkowo nieznani artyści, tacy jak André Derain i Henri Matisse, wystawili swoje prace w Salonie Jesiennym, co przyciągnęło uwagę krytyków. Paryski świat sztuki stał się dzięki innowacyjnym marszandom, takim jak Pablo Picasso, centrum malarstwa awangardowego. Po przyjeździe do Paryża Modigliani początkowo mieszkał w komfortowym hotelu na prawym brzegu Sekwany, jednak wkrótce przeniósł się do dzielnicy Montmartre, gdzie korzystał z prostego atelier. Uczęszczał na wykłady z aktu w Akademii Colarossiego, a mimo wsparcia finansowego od matki, często zmieniał mieszkania. Wkrótce nawiązał przyjaźń z niemieckim malarzem Ludwigiem Meidnerem, który opisał Modiglianiego w paryskim środowisku artystycznym.

Pomimo problemów zdrowotnych, Modigliani brał udział w rozrywkowym życiu artystów na Montmartre. Wiosną 1907 roku zamieszkał z malarzem Henri Doucetem w domu wynajmowanym przez lekarza Paula Alexandre’a, który wspierał jego twórczość, kupując jego obrazy i pośrednicząc w zleceniach na portrety. W 1907 Modigliani wystawiał swoje prace w awangardowym Salonie Niezależnych, a w 1908 roku zaprezentował sześć obrazów, w tym Żydówkę, która wykazywała wpływy Toulouse-Lautreca i Picassa. Jego prace wzbudzały jednak niewielkie zainteresowanie, a wpływowy publicysta Guillaume Apollinaire wspomniał o nim jedynie na marginesie swojej krytyki. Dzięki Paulowi Alexandre’owi Modigliani zyskał dostęp do zamożnych kręgów, co pozwoliło mu otrzymać pierwsze zlecenie na portret baronowej Marguerite de Hasse de Villers, znany jako Amazonka.

Okres rzeźbiarski

W 1909 roku, dzięki Paulowi Alexandre’owi, Modigliani poznał rumuńskiego rzeźbiarza Constantina Brâncușiego, który stał się dla niego inspiracją. W kwietniu tego samego roku przeniósł swoje atelier do Cité Falguière na Montparnasse, gdzie zaczął rzeźbić w kamieniu, co na pewien czas zdominowało jego twórczość. W Livorno i Carrarze artysta, inspirowany oszczędnym stylem Brâncușiego, poświęcił się rzeźbiarstwu.

Chociaż wcześniej pragnął zostać rzeźbiarzem, brakowało mu technicznych umiejętności, które pojawiły się dopiero po przeniesieniu się do nowego atelier. Inspiracją do tworzenia rzeźb stało się również antyczne dziedzictwo Włoch, które znał z własnego doświadczenia. Dodatkowym powodem do próby zmiany kierunku sztuki była stagnacja w jego malarstwie.

W 1910 roku Modigliani poznał rosyjską poetkę Annę Achmatową, z którą nawiązał romans. W 1911 roku wystawił w atelier portugalskiego rzeźbiarza Amadeo de Souza-Cardoso swoje archaizowane rzeźby kamienne. To wtedy rozpoczął intensywne wykorzystanie motywu kariatydy zarówno w rzeźbie, jak i w malarstwie. W następnym roku jego rzeźby zostały zaprezentowane w Salonie Jesiennym. Spotkał także rzeźbiarzy Jacoba Epsteina i Jacques’a Lipchitza, którzy również mieszkali w Paryżu. Lipschitz opisał sztukę Modiglianiego jako „wyraz jego osobistych doznań”. Wiosną 1913 roku Amedeo Modigliani zatrzymał się w Livorno, gdzie zamieszkał w pobliżu dzielnicy kamieniołomów. Tam zajął się rzeźbieniem w marmurze; wcześniej rzeźbił tylko w wapieniu. Gotowe rzeźby wysyłał do Paryża, jednak żadne z nich się nie zachowały. Przyczyny zakończenia działalności rzeźbiarskiej Modiglianiego po 1913 roku nie są znane. Możliwe, że pogarszający się stan zdrowia artysty, spowodowany zapyloną okolicą, miał na to wpływ. Może także nie widział przyszłości w swojej twórczości rzeźbiarskiej, ponieważ jego nieliczne wystawy nie przyciągały uwagi i nie poprawiły jego sytuacji finansowej. Po rozważeniu tej kwestii, Modigliani postanowił wrócić do bardziej opłacalnego malarstwa.

Powrót do malarstwa i życie podczas I wojny światowej

Wiosną 1914 roku Modigliani poznał marszanda Paula Guillaume’a, który reprezentował kilku młodych i nieznanych artystów. Guillaume zajął się interesami Modiglianiego po tym, jak ten stracił kontakt z Paulem Alexandre’em na początku I wojny światowej i umożliwił mu udział w kilku wystawach grupowych w swojej galerii. Po wybuchu wojny Modigliani zgłosił się na ochotnika do wojska, ale z powodu złego stanu zdrowia nie został przyjęty. Znalazł się w małej grupie artystów, którzy pozostali w Paryżu. W czerwcu 1914 roku poznał angielską pisarkę Beatrice Hastings, z którą rozpoczął trwający ponad dwa lata romans. Hastings przyjechała do Paryża wiosną 1914 roku i pracowała jako felietonistka w angielskim dzienniku The New Age, prowadząc kolumnę Impressions de Paris, poświęconą życiu towarzyskiemu miasta. Opisywała m.in. zażywanie przez Modiglianiego haszyszu i picie alkoholu.

W czasie intensywnego związku z Beatrice Hastings, skłonności Modiglianiego do ekscesów wzrosły. Spożywanie alkoholu i opium w towarzystwie przyjaciół Maurice’a Utrillo i Chaima Soutina przyciągnęło uwagę prasy.

W 1915 roku Modigliani przeniósł się z Beatrice Hastings do mieszkania na Rue Norvaine na Montmartre. Tam namalował portret Pabla Picassa. Rok później stworzył kolejne portrety znanych osobistości, w tym swoich przyjaciół Jacques’a Lipchitza oraz Chaima Soutine’a. Malując portrety artystów awangardy, Modigliani sam stał się częścią tego ruchu, co zapewniło mu stałe miejsce na paryskiej scenie artystycznej i przyczyniło się do powstania legendy o nim jako głównej postaci tego środowiska. W 1916 roku Amedeo Modigliani poznał polskiego marszanda i poetę Leopolda Zborowskiego.

Zborowski przybył do Paryża w 1914 roku, aby studiować literaturę, a utrzymywał się sprzedając książki i druki. Chociaż nie miał kontaktów z Guillaume’em ani wyczucia dla malarstwa awangardowego, wspierał Modiglianiego w jego ostatnich latach życia. Razem z żoną Anną Zborowski przyjął Modiglianiego pod swój dach, gdy ten zerwał z Beatrice Hastings. Wypłacał mu dniówkę, opłacał materiały malarskie i pozwalał na pracę w swoim mieszkaniu. Zborowski opłacał także modelki, które pozowały Modiglianiemu do aktów.

W latach 1916–1917 Amedeo Modigliani namalował około 30 aktów. Dzięki Zborowskiemu obrazy te zostały zaprezentowane na indywidualnej wystawie w galerii marszandki Berthe Weill. 3 grudnia 1917 roku odbył się wernisaż dla zaproszonych gości. Galeria znajdowała się naprzeciwko posterunku policji, a gromadzące się przy oknie wystawowym tłumy zwróciły uwagę komisarza, który zażądał zamknięcia wystawy i usunięcia obrazów, ponieważ były zbyt wyzywające. Aby uniknąć konfiskaty obrazów, Weill spełniła to żądanie.

Związek z Jeanne Hébuterne. Wyjazd na południe Francji

W kwietniu 1917 roku Modigliani poznał 19-letnią Jeanne Hébuterne, studentkę Akademii Colarossiego, z którą szybko zamieszkali razem.

Przyjaciele Jeanne nazywali ją „kokos” z powodu jej bladej karnacji i jasnorudych włosów, które czasami upinała wokół głowy w kształcie korony. Młoda dziewczyna miała talent do rysunku, a oboje z Modiglianim wykonali wspólnie kilka szkiców. Jeanne namalowała akwarelę swojego autoportretu, który obecnie znajduje się w Petit-Palais w Genewie. Modigliani namalował 16 obrazów przedstawiających Jeanne, a także zachowała się jedna fotografia jej w poncho oraz rzeźba dłuta jej przyjaciółki, Chany Orloff, przedstawiająca ją w ciąży.

Wiosną 1918 roku Amedeo Modigliani i Jeanne Hébuterne opuścili Paryż, aby uciec przed nadciągającymi niemieckimi oddziałami, i udali się na wybrzeże Morza Śródziemnego, gdzie artysta namalował wiele portretów. Gotowe obrazy wysyłał Zborowskiemu do sprzedaży w Paryżu.

O roku spędzonym przez Modiglianiego na południu Francji niewiele wiadomo, ponieważ istnieje tylko kilka dokumentów pisanych, a ówcześni znajomi paryżanie nie mieli wiele do powiedzenia na ten temat. Na początku Modigliani mieszkał prawdopodobnie w Cagnes-sur-Mer, a później przeniósł się do pobliskiej Nicei. Tam, 29 listopada 1918 roku, Jeanne Hébuterne urodziła córkę, której nadała własne imię. Córka przyszła na świat jako dziecko pozamałżeńskie, jednak zachował się dokument z 7 lipca 1919 roku, w którym Modigliani obiecywał ożenić się z Jeanne Hébuterne, czego ostatecznie nie zdążył uczynić. Po śmierci rodziców w 1920 roku, Jeanne Modigliani (zmarła w 1984 roku) była wychowywana we Florencji przez siostrę artysty. Stała się ważną biografką swojego ojca, pisząc książkę „Modigliani bez legendy”. Podczas pobytu w Nicei Modigliani odwiedził Pierre-Auguste’a Renoira, który mieszkał w posiadłości na wybrzeżu. Jeden z sąsiadów malarza donosił później, że pomiędzy starym mistrzem impresjonizmu a młodym artystą doszło do kłótni, gdy Renoir zaczął udzielać Modiglianiemu rad dotyczących malowania obrazów.

Ostatni rok życia. Śmierć

Dzięki Zborowskiemu kilka obrazów Modiglianiego zostało zaprezentowanych na wystawach w Anglii, m.in. w Heale, w ramach wystawy „Modern French Painting”. We wrześniu tego samego roku londyńska Hill Gallery wystawiła 10 prac Modiglianiego, co spowodowało wzrost popytu na jego dzieła. Pod koniec maja 1919 roku Modigliani powrócił do Paryża, gdzie wspierał go fiński malarz Léopold Survage, udostępniając mu swoje atelier. W lipcu podpisał zobowiązanie małżeńskie z Jeanne Hébuterne, która była ponownie w ciąży. Jesienią uczestniczył w Salonie Jesiennym. Pod koniec 1919 roku Modigliani ciężko zachorował na gruźlicę, co uniemożliwiło mu planowaną podróż do Włoch.

Zabrany do szpitala, według późniejszej relacji Jeanne Modigliani, szeptał: „Nie umieraj, nie umieraj”. 24 stycznia 1920 roku zmarł w paryskim szpitalu Charité. Dwa dni później Jeanne Hébuterne popełniła samobójstwo. Modigliani został pochowany na cmentarzu Père-Lachaise w obecności zgromadzonych tłumów. Później spoczęła obok niego również Jeanne Hébuterne, mimo początkowego sprzeciwu jej rodziców.

Twórczość

Dorobek twórczy Modiglianiego obejmuje 420 obrazów (z czego jedynie 14 jest datowanych), rysunki oraz około 25 rzeźb.

Centralnym aspektem twórczości Modiglianiego, poza nielicznymi pejzażami, jest przedstawienie człowieka. Artysta ukazywał go głównie w portretach, aktach oraz rzeźbionych głowach, dążąc do oddania jego nieskazitelnego obrazu. Modigliani nie przynależał do żadnego konkretnego kierunku w sztuce, a jego prace zawierają elementy ekspresjonizmu, kubizmu i symbolizmu, a także nawiązania do sztuki antyku, renesansu i manieryzmu, z którymi zapoznał się w czasie studiów. Opracował przy tym własny, indywidualny styl.

Charakterystyczne dla stylu Modiglianiego są formy linearne oraz mocno wydłużone kształty. Wiele jego obrazów pokazuje typowe dla niego elementy, takie jak wydłużone twarze oraz oczy pozbawione źrenic. Przedstawienia charakteryzują się mocną redukcją, a postacie są ukazane w sposób, który sprawia, że przestrzeń w tle staje się drugorzędna, a obok portretowanej postaci nie ma zbędnych dodatków. Tylko w późniejszych dziełach Modiglianiego nieliczne umieszczane na obrazach przedmioty wskazują na społeczne środowisko przedstawianej osoby. Nieliczne rysunki, które powstały przed 1914 rokiem, nawiązują do tematów varieté i cyrku, ukazując postacie w szerszym kontekście narracyjnym.

Ze względu na fakt, że tylko niewielka część dzieł Modiglianiego jest datowana, dokładna chronologia jego obrazów może być ustalona jedynie na podstawie analizy stylistycznej oraz relacji współczesnych mu osób. Można jednak zauważyć, że w jego twórczości zachodził rozwój stylistyczny i kompozycyjny prowadzący do coraz większej doskonałości jego obrazów.

Portrety

Znaczna część obrazów Modiglianiego to portrety. Do wczesnych prac artysty należy obraz Żydówka z około 1908 roku. Malowidło to, olej na płótnie o wymiarach 55 × 46 cm, ma formę posągu. Ukazuje kobietę o przenikliwym spojrzeniu i wyraziście opracowanej twarzy, która wyraźnie odcina się od mglistego tła. Szczególną uwagę zwraca nie tylko autonomiczne użycie barw i płaszczyzn, ale także przedstawienie psychologicznego wizerunku portretowanej osoby, wyrażone w nastroju i wzroku kobiety zwróconym ku widzowi. Pomimo swobodnych pociągnięć pędzla, Żydówka jest obrazem wyważonym, zawierającym jednak fragmenty, które wyraźnie różnią się od malarskiego potraktowania powierzchni, jak barwne pole w prawym dolnym narożniku obrazu, które nie da się podporządkować konkretnemu przedmiotowi. W tym podejściu Modiglianiego do tematu widoczny jest ślad epokowego określenia francuskiego malarza i teoretyka Maurice’a Denisa, który mówił, że obraz, „zanim stanie się bojowym rumakiem, aktem lub anegdotą, jest tylko powierzchnią pokrywaną farbami w ustalonym porządku”. Żydówka jest wyrazem poszukiwań prowadzonych przez Modiglianiego wśród awangardowych kierunków. Zawiera wpływy linearnej sztuki Toulouse-Lautreca, a także nawiązania do wychudzonych postaci z okresu błękitnego w twórczości Pabla Picassa. Gdy obraz został pokazany w 1908 roku na Salonie Niezależnych, w sztuce pojawił się nowy kierunek – kubizm, który zburzył konwencjonalne przyzwyczajenia poprzez rozbicie przestrzeni i perspektywy. Modigliani pozostał jednak prawie niezauważony w tym nowym prądzie.

Podczas I wojny światowej, po rzeźbiarskim etapie swojej twórczości, Modigliani sportretował wielu przyjaciół i artystów przebywających wówczas w Paryżu. Jednym z takich obrazów jest Portret Diego Rivery z 1914 roku. Obraz ten, olej na kartonie o wymiarach 100 × 79, przedstawia meksykańskiego malarza Diego Riverę, który przybył do Paryża trzy lata wcześniej i szybko stał się częścią kręgu przyjaciół Picassa. Rivera był wielokrotnie portretowany przez Modiglianiego. Omawiany portret, poprzez swobodne operowanie barwnymi plamami, ukazuje twarz i temperament rewolucjonisty. Podkład obrazu stanowią grube warstwy farby. Modigliani nie odwoływał się w tym przypadku do koloryzmu uwielbianego przez Cézanne’a, lecz czerpał z dorobku wcześniejszego malarstwa impresjonistycznego. Technika kreślarska tego obrazu przypomina również prace Modiglianiego nad tworzeniem rzeźb, stwarzając wrażenie reliefu wyrytego w podkładzie obrazu. Obraz ukazuje górną część tułowia Rivery, a jego zaokrąglona twarz, otoczona włosami i brodą, nie jest wyraźnie odgraniczona od tła. Powstaje przez to wrażenie, że tułów wypełnia cały obraz. Oczy Diego Rivery są przymknięte, a usta rozchylone w uśmiechu, co sprawia, że wygląda na zamyślonego i zadowolonego. Dzięki takiemu sposobowi malowania obraz jest jednym z bardziej ekspresyjnych w dorobku Modiglianiego, w przeciwieństwie do portretów, które powstały później, a których styl jest prostszy i bardziej wygładzony, a które są bardziej wartościowe pod względem przedstawienia osobowości i charakteru portretowanej osoby.

Obraz Portret Jacques’a Lipchitza i jego żony Berthe Lipchitz z 1916 lub 1917 roku należy do tych, w których Amedeo Modigliani zrezygnował z przedstawienia psychologicznego charakteru postaci na rzecz reprezentatywnego portretu, którego wzorce sięgają epoki baroku. Obraz ten, olej na płótnie o wymiarach 80,2 × 53,5, namalował Modigliani według fotografii ślubnej Lipchitza, przedstawiając młodą parę w kilku pozycjach siedzących. W czasach artysty często korzystano z fotografii jako wzoru do obrazów. Portret Jacques’a Lipchitza i jego żony Berthe Lipchitz zajmuje szczególną pozycję w dorobku Modiglianiego, ponieważ jest jednym z nielicznych portretów podwójnych, jakie namalował. Jego znaczenie jest tym wyraźniejsze, że portrety grupowe w twórczości Modiglianiego właściwie nie istnieją. Portret młodej pary poprzedziły liczne szkice, które wystarczyły jednak tylko do tego jednego portretu. Malując go, Modigliani stopniowo zbliżał się do ostatecznej kompozycji. Obraz ukazuje Jacques’a Lipchitza jako pana młodego stojącego za swoją żoną Berthe, przedstawioną na pierwszym planie w pozycji siedzącej. Lewą rękę oparł on na ramieniu żony. Oboje są ubrani w ciemne stroje, co sprawia, że wyraźnie odcinają się na jasnym tle obrazu. Ich twarze są zaokrąglone, a oczy pozbawione źrenic. Przedstawione na obrazie postacie Lipchitzów, z którymi Modigliani utrzymywał przyjacielskie kontakty, wyglądają sympatycznie, jednak zostały ukazane z pewnym emocjonalnym dystansem. To będzie cecha charakterystyczna portretów malowanych przez Modiglianiego aż do jego śmierci. W drodze do definitywnego ujęcia portretu dokonał się również pewien rozwój stylistyczny; w tle występują linie pionowe i poziome, a obraz został zdominowany przez linie łukowate i formy opływowe. Modigliani umieścił na portrecie napisane dużymi literami nieregularne logo LIPCHITZ – charakterystyczną, stylistyczną cechę artysty, występującą na wielu portretach jego przyjaciół. Napis ten, dzięki niezgrabnemu pociągnięciu pędzla, wyraźnie różni się od sygnatury, nawiązuje od strony formalnej do tradycji obrazów epoki renesansu. Tacy artyści jak Giorgione i Tycjan zawierali w napisach nie tylko nazwiska przedstawianych osób, ale także informacje o ich przynależności do tajnych związków. Takim formalnym cytatem Modigliani mógł uczynić aluzję do podobnego, wewnętrznego pokrewieństwa sportretowanych przyjaciół. Poza tym, potrzebował go do uatrakcyjnienia kompozycji obrazu. W tych nawiązaniach do baroku i renesansu widać wyraźnie, że artysta wykorzystywał w malowanych obrazach swoją znajomość wcześniejszych epok w sztuce, którą nabył w czasie młodości.

Wiele portretów Modiglianiego przedstawia jego kochanki, Beatrice Hastings i Jeanne Hébuterne. Obrazy z Hastings często zawierają dowcipne interpretacje jej oczu, ust i nosa, co wskazuje na silną koncentrację artysty na charakterze swojej kochanki, uchodzącej za ekscentryczkę. Obrazy te mają kokieteryjne i poufne oddziaływanie, będące rezultatem bliskiego i dramatycznego stosunku Modiglianiego do niej. Stosunek artysty do Jeanne Hébuterne, z powodu różnicy wieku, nie był tak gwałtowny. Portrety Hébuterne nie wykazują większego zróżnicowania w perspektywie i stylu. W kilku obrazach przedstawiona jest jako lolita, co wskazuje na jej młodzieńczą naiwność, choć w życiu Modiglianiego stała się pewnym stałym punktem. Jeanne Hébuterne pozwoliła Modiglianiemu na nowo przemyśleć swoje życie, naznaczone przez narkotyki i alkohol. W związku z ciążą Jeanne miała miejsce znacząca zmiana w życiu Modiglianiego, stojąca w opozycji do jego wcześniejszego stylu życia. W takich okolicznościach powstał obraz Portret Jeanne Hébuterne, na którym została przedstawiona w zaawansowanej ciąży. Ukazana jest w pozycji siedzącej, z rękami opartymi na kolanach i głową pochyloną w bok. Ciąża nie jest przez Modiglianiego ukrywana, lecz wręcz przeciwnie – akcentowana. Wskazuje na nią np. zgięty palec prawej ręki spoczywającej na brzuchu, a także pas oplatający brzuch na wysokości bioder. Mimo mocno wyciągniętej szyi, widoczny jest lekko zamarkowany podwójny podbródek, co wskazuje na zaawansowany stan ciąży. Użycie kolorów jest bardzo wyważone. Ciemne fragmenty ubrania i włosów równoważą pas na biodrach i ramionach, a także zieleń i oranż tła obrazu. Obraz emanuje spokojnym nastrojem, nie ma na nim żadnego ruchu, a postać jest w stanie spoczynku, co szczególnie widoczne jest w pozycji jej głowy. Szczególnej intensywności dodaje jedynie wzrok Jeanne Hébuterne skierowany prosto w oczy widza, co rozprasza ciszę.

Akty

Amedeo Modigliani malował akty przez całe swoje życie, które, po portretach, stanowią drugą pod względem liczby grupę jego dzieł. Pierwsze akty pochodzą z 1908 roku, jak np. obraz Akt cierpiący (Nudo Dolente). Malowidło to, olej na płótnie o wymiarach 81 × 54 cm, przedstawia połowę kobiecej figury w pozycji stojącej. Szczupła kobieta ukazana jest całkowicie naga, z odchyloną do tyłu głową i otwartymi ustami. Wyraża to ekstazę, zmartwienie, ból i zmysłowość. Prawdziwa ekspresja osoby skrywa się pod twarzą przypominającą maskę. Jej ramiona są wyciągnięte do przodu, a nienaturalnie długie ręce swobodnie zwisają, opierając się na udach. Kobieta jest szczupła, niemal jak szkielet. W ten sposób obraz Modiglianiego zaprzecza klasycznym kanonom aktu, który charakteryzował się zmysłowym i erotycznym podtekstem. Na ciemnym tle obrazu ukazane jest jasne, niemal białe ciało, a użyte barwy są surowe, przez co obraz sprawia wrażenie częściowo nieukończonego. Formowanie ciała przez Modiglianiego wskazuje na wyraźne wpływy innych artystów epoki, takich jak Edvard Munch (obraz Madonna z 1894 roku) czy Georges Minne.

W latach 1916–1917 Modigliani namalował serię aktów obejmującą 30 obrazów, ukazujących modelki w różnych pozach: siedzących, stojących lub leżących, przedstawionych w wyidealizowanej nagości. Ciała kobiet stanowią centralną część obrazu, a przestrzeń oraz inne obiekty występują w tle w minimalnym zakresie. Przedstawienia kobiet nie mają żadnego mitologicznego czy historycznego kontekstu, lecz służą jedynie zaprezentowaniu nagości. Mimo to akty te nawiązują do tradycyjnego przedstawienia nagiej Wenus, dominującego od renesansu do XIX wieku. Modigliani czerpał z włoskich mistrzów renesansu, takich jak Tycjan, Sandro Botticelli czy Giorgione, którzy tworzyli jeszcze przed okresem akademickim w malarstwie. Ich przedstawienia nie powstały na podstawie konkretnych póz aktowych, lecz stanowiły wyraz indywidualizmu każdego z nich. Wraz z rozwojem sztuki akademickiej ugruntowało się charakterystyczne pojmowanie aktu, przyjmując określony kanon pozowania modelki do aktu ujęty w ścisłe i formalistyczne reguły. Amedeo Modigliani w swoich aktach przełamał tę akademicką tradycję, nie zwracając uwagi na proporcje, anatomię i ruchy. Pozy modelek również nie były zgodne z wymogami akademizmu. Akty Modiglianiego wykazują natomiast wpływ praktyki wyniesionej z akademii Colarossiego, gdzie studenci mieli do dyspozycji modelki i mogli dowolnie decydować o sposobie pozowania przez nie. Wówczas powstawały tzw. kwadransowe akty, wymagające szybkiego rysowania motywu. Z paryskiego okresu w życiu Modiglianiego zachowały się liczne szkice aktów tego typu.

Obraz Akt leżący z rękami skrzyżowanymi pod głową, o wymiarach 60,6 × 92,7 cm, należy do najsłynniejszych dzieł Modiglianiego. Pochodzi z serii obrazów namalowanych w latach 1916-1917. Ukazuje leżącą modelkę, wypełniającą centralną część obrazu. Kobieta jest pokazana lekko z góry, w tak dużym zbliżeniu, że część jej rąk i nóg nie zmieściła się na obrazie – brakuje przedramion, dłoni i nóg od kolan w dół. Twarz skierowana jest w stronę widza, oczy są otwarte i patrzą prosto w jego oczy. Biodra są lekko wyciągnięte do tyłu, przez co niewidoczne jest łono. Ciało leży na czerwonym prześcieradle, co tworzy lekki kontrast pomiędzy jasnymi a ciemnymi barwami. Pod głową widoczna jest biała poduszka, która wraz z białą narzutą stanowi najjaśniejszą część obrazu. Tłem jest ściana, a obok ciała prawie nie ma przedmiotów, które mogłyby rozpraszać uwagę. Obraz wykazuje zbieżność z kompozycją ówczesnej fotografii aktu, przy czym erotyka nie jest przesadnie podkreślona, lecz stonowana; z przedstawionej kobiety emanuje godność i chłód, co stanowi nawiązanie do rzeźb artysty.

Po serii z lat 1916-1917 Amedeo Modigliani malował akty tylko okazjonalnie, jak Akt stojący – Elvira, olej na płótnie z 1918 roku, o wymiarach 92 × 60 cm. Dzieło to powstało podczas pobytu artysty na południu Francji. Na obrazie dominują jasne kolory, w przeciwieństwie do ciemnych tonacji, zwłaszcza czerwieni, które występowały w jego wcześniejszych pracach. Stojąca modelka, pokazana tylko od pasa w górę, stanowi centralną część obrazu. Poza białym prześcieradłem, przesłaniającym jej łono, nie ma innych elementów kompozycyjnych. Kontury ciała są silnie zaznaczone, a farba nakładana jest na dużych powierzchniach, aby podkreślić obecność osoby.

Interpretując akty Modiglianiego, niektórzy krytycy dostrzegają w nich doskonałą zmysłowość, podczas gdy inni postrzegają je jako pogoń artysty za perfekcją. Francuski pisarz i krytyk sztuki, Francis Carco, określił odwagę Modiglianiego w malowaniu aktów następująco:

.

Włoski krytyk sztuki Giovanni Scheiwiller wyróżnił dwa typy aktów Modiglianiego:

• te, które przedstawiają modelki w kwiecie młodości, dostarczające artyście doznań zarówno duchowych, jak i cielesnych,
• oraz te, w których widoczna jest doskonała duchowa więź pomiędzy artystą a modelką, kiedy artysta przenosi własne odczucia estetyczne na obraz, deifikując kobietę niczym mistyk pochylający się przed tajemnicą.

Pejzaże

W dorobku Amedeo Modiglianiego znajduje się tylko kilka pejzaży, które powstały w latach jego młodości we Włoszech, podczas podróży do ojczyzny oraz pobytu na południu Francji. Namalowany w 1898 roku obraz Pejzaż Toskanii nosi jeszcze wpływy impresjonizmu i nie wykazuje wyraźnych konturów, sprawiając wrażenie zamazanego. Z kolei obraz Pejzaż Południa z 1919 roku, o wymiarach 60 × 45 cm, charakteryzuje się wyraźnymi konturami. Budynki stojące na pagórkach w tle malowidła tworzą przejrzyste, geometryczne struktury, w przeciwieństwie do kształtów otaczających je obłoków, które również mają ostre kontury. Pierwszy plan jest przedzielony diagonalną, czerwoną płaszczyzną, przedstawiającą drogę lub poręcz mostu. Czerwień tej partii obrazu podkreśla kolor dachów domów, wyraźnie odcinając się od otoczenia i wywołując poczucie ciasnoty i ograniczoności. Tarasowato ułożone wzgórza w centrum obrazu prowadzą w jego głąb, stwarzając wrażenie przestrzennej głębi, a długie, linearne struktury drzew na pierwszym planie dodatkowo porządkują obraz.

Również na obrazach przedstawiających pejzaże, namalowanych przez Modiglianiego na południu Francji, dominuje portretowy format obrazu nad pejzażowym – artysta używał formatu pionowego zamiast typowego dla pejzaży formatu poziomego. Obrazy Modiglianiego wykazują podobieństwo do pejzaży Paula Cézanne’a, które były dla niego artystycznym wzorem, podobnie jak prace innych współczesnych artystów. Istnieją przykładowo kompozycyjne paralele z obrazami Gustava Klimta. Dodatkowo, na obrazach tych można zauważyć podobieństwa dotyczące stylizowanego wyglądu drzew oraz przestrzennej organizacji elementów składowych obrazu.

Rzeźby i obrazy związane z rzeźbiarstwem

W latach 1909-1914 Amedeo Modigliani poświęcił się niemal wyłącznie rzeźbiarstwu, które zyskało popularność wśród innych ówczesnych artystów, takich jak Picasso, Matisse i André Derain, na fali zainteresowania sztuką afrykańską, znaną jako „czarna rzeźba”. Modigliani nawiązał kontakt z rumuńskim rzeźbiarzem Constantinem Brâncușim, którego rzeźby były wystawiane obok jego obrazów w Salonie Jesiennym. Po zapoznaniu się z nim, Modigliani zwrócił się w stronę rzeźby, przenosząc się do atelier przystosowanego do tego gatunku sztuki.

Motywem większości rzeźb Modigl